Se ha estrenado este material, al que la contrabajista Adriana Camacho, Loope, me invitó a colaborar, junto a la también poeta Anne Waldman. El formato del material será distribuido como un flipbook y desde Bandcamp, con el sello de Nueva York, afincado ahora en Ciudad de México, Fast Speaking Music.
Antes de morir, el poeta Chris Cornell declaró que, quizá, la sinceridad es el nuevo punk. La ruptura propuesta por la música de MULA hace honor a su nombre; la mula, como un híbrido o un medio, entre el ruidismo, la electroacústica, el free-jazz y el contrabando de antipoesías sonoras y metal, cuya sinceridad recae en el riesgo que esta agrupación bogotana decide como poética.
Entre la ironía y la provocación, la mezcolanza de MULA incluye sampleos en neerlandés y español, grabaciones de campo, salpicones de recetas de guacamole (“el guacamole sin ají es como hacer el amor sin ganas”), versos del creador de la rasqa, don Edson Velandia, y una suerte de viajes intergalácticos para transportarnos a la era del fin de la razón.
Las distorsiones en el trabajo de MULA reinventan los imaginarios de una serie de instrumentos, como el bajo eléctrico, el saxofón (tenor, alto y barítono), el clarinete, la guitarra eléctrica, la batería y teclados, cuyas intervenciones desfragmentan nuestras obsesiones y ataraxias.
En el universo de MULA también participan músicos invitados y artistas visuales que hacen que cada elemento de sus ediciones sean coleccionables, por ejemplo, su MULA y MULB, casete de su primera producción, De carga pesada y patada fina (Festina Lente-Matik Matik, 2013), cuyo disco compacto juega con la visión de una TV análoga.
Poco a poco, el ruido visual y estético se encuentra con un curandero sonido, antiséptico y antipruriginoso material, lanzado en 2015, de la mano de Festina Lente Discos; producción compartida con Animales blancos, para dar una pequeña muestra de la labor colaborativa de este grupo de artistas bogotanos que, desde hace tiempo, entendieron que la fórmula radica en la amistad.
Del furor de la mímica corporal de Sobandero, la banda de noise-jazz de Chapinero, da un salto cuántico con resiliente (Matik Matik, 2017), en el que es notorio un homenaje al bajista Humberto Monroy y ese tema tan actual de “Si la guerra es buen negocio, invierte a tus hijos”, contenido En el maravilloso mundo de Ingesón (1968); pero también, como MULA lo sugiere, guiños a la melancolía de Supersilent, Swans, Behemoth, Sonic Youth, José José y Diomedes Díaz. Hay un impasse en el que en colaboración con Poil, agrupación francesa, dio como resultado en 2018 el disco Mula PoiL, para concluir con Matasesos (In-correcto), una suerte de susurros emancipados, anti monárquicos, anti patriarcales, anti estéticos y anti conformistas que, en el mapeo de las bandas de la región latinoamericana, representan un radical y urgente acento para repensar-nos, a contra pelo, desde el baile, sus temblores y las frágiles neurosis sociales que las músicas creativas combaten con su crudeza y sinceridad.
El 03 de octubre a las 18 hrs. nos encontramos la contrabajista Adriana Camacho, la guitarrista Alda Arita y yo, con la baterista Andrea Cravioto, en las puertas de Cuba 60, instalaciones de la Comisión Nacional de Derechos Humanos, hoy albergue y altar okupa, dedicado a mujeres víctimas de violencia sistemática en México. Arriba conocí a Elizabeth Piña, saxofonista; tanto ella, como Cravioto, son fundadoras del Jam de morras, colectivo que nos invitó a tocar y leer poesía desde los balcones de la oficina de la directora de la CNDH, Rosario Ibarra de Piedra, cuyo calendario quedó detenido en marzo de 2020.
Accedimos con los protocolos que el conocido Bloque Negro estableció para resguardo general: toma de temperatura y gel antibacterial. Lo más visible, además de las compañeras vestidas de negro de pies a cabeza, los niños en andaderas, el clima comunitario y al mismo tiempo sobrio, fueron las pintas en las paredes de todo el edificio, en una de ellas se lee, como si un poema autoreferencial —y universal— de María Sabina versara: Yo soy música/ Yo soy arte/ Yo soy creatividad/ Yo soy bondad/ Yo soy inteligencia/ Yo soy furia/ Yo soy felicidad/ Yo soy vida, junto al símbolo de anarquía.
Esa noche, también visitaban el espacio Alaíde, cantante y compositora, nieta de la aún desaparecida Alaíde Foppa, quien se encuentra realizando un documental sobre la toma de la CNDH, así como Tania Elis, junto a su papá, la estudiante de la UNAM que desgarradoramente tuvo que pasar semanas en Santiaguito (prisión de la que escribí hace algunos meses en este medio), por tomar un cubículo de la universidad. Además del set de Adriana Camacho, Alda Arita y yo, tocaron Planta un árbol, Aletia Gc y Sofía Hex, para al final generar una jam. Jam significa confluencia, y el free jazz y la poesía son trincheras que apuestan por el gozo de la diversidad.
El free jazz es un manifiesto/expresión anticapitalista, regido por un único principio: la comunión. En las estructuras que hoy conocemos y vivimos, el trabajo en equipo y la empatía son enemigos y palabras inconcebibles (más que para la generación de materia primera a la venta). El jazz y el free jazz como expresiones, al igual que la poesía, que a contra corriente guardan el potencial de la transgresión, por el simple hecho de invitar a la correspondencia. ¿Por qué, además, una jam como la acontecida el 03 de octubre es aún más significativa en la toma de un edificio institucional?
En un país que ha sido reducido al abandono de la pobreza, a la insolidaridad, y en donde nos han hecho creer que no tenemos poder alguno sobre el sistema hegemónico impuesto, que se recicla de partido en partido, que transita en la elasticidad de la conveniencia, donde se nos quiere relegar a la melancolía, y a esa tristeza que hoy se ve en las calles… cantar y bailar en el espacio público representa un logro, una celebración ciudadana, en principio, pues nos pone en la mira la indignación porque nuestros vecinos no tengan comida, no sepan leer, soporten trabajos precarios, el desprecio de las autoridades, la desaparición de madres, hermanas y amigas, los asesinatos de nuestras mujeres, dejándonos como pregunta central: ¿es tan ingenuo apostar la batalla en nosotras mismas?, ¿o deberíamos vivir con el precepto de que no podemos realizar nuestros sueños? Jamás. Como las líneas dictan en otra de las paredes principales de la okupa: no se debe lucrar con el dolor.
Escribir en los muros es transmitir pliegos petitorios; un graffiti nunca debe ser relegado en la lectura de un movimiento civil, desde la demostración de un orgullo y dignidad de costumbre: «Heroicas e históricas».
¿Qué podemos hacer alguien como tú y como yo? Me preguntaba alguien hace pocos días: apoyar pequeñas acciones que refuercen la autonomía de la sociedad civil, de organizaciones, de individuos. Es una sumatoria: tiempo de hormigas. Que muera el odio, que viva el amorcito.
Este es uno de los poemas que canté/leí junto a Adriana Camacho y Alda Arita, una respuesta a una falogocentrista cartilla moral:
¡Matria! ¡Matria! La ciudadanía jura no infringir el dolor en tus aras, si el tambor con su digno acento nos convoca a transparentar con valor.
¡Para ti la esperanza vigía! ¡Un rehilete para todos de gozo! ¡La alegría para ti por valiente! ¡Y el desahucio para ilotas sin honor!
Tendrán tus ojos el calor de un invierno y nuestras miradas harán posible el encuentro de los seres sintientes, que será lo más justo, lo más pleno, dando tiempo a que se remansen las aguas, para que nos reconozcamos. Así nuestros cuerpos disfrutarán de lo que elijan: ser estrella o arena. Tenemos algo de común con las piedras, sí. El yeso, los huesos, la devoción y la furia en el centro con la que cristalizamos como la valentía, contra quienes nos quieren sin cadencias, sin cielo, los que nos quieren sin dicha, sin palabras, sin el aire. Pues bien: en torno a este círculo de lenguajes nuestros ojos tendrán el calor del invierno para llamarnos Duda, Entrega, Caudal. Un caudal en mitad del desierto que será esa lucecita que nos han dado las hermanas Respiro, Conjuro, Yo soy yo, Yo soy mía; las hermanas Bruja, Innombrables; hermanas Garganta, Claridad, Risa reunida en nuestras miradas: la entropía. Así que cojamos entre las piernas lo que deba sostenerse, con el ahínco, en el acorde y sus veintiún consonantes para ser las Fronteras-rehilete entre la gula del tiempo, la templanza de la cama, la pereza de oradores de la condición humana, la verdad cuando los tótem se derrumban, la paciencia, melodía de mujer, la generosidad al goce y la inhóspita humildad.
Tras meses de peticiones de entrevistas, de plantones frente a Palacio Nacional, de años de búsquedas y exigencias, la toma se realizó sin que las autoridades hayan dado, al día de hoy, atención oportuna. Actualmente, en el edificio, además de familiares de víctimas, hay adolescentes y mujeres sin hogar, que acudieron a solicitar asilo tras enterarse de que el edificio se activó como un refugio.
Fragmento de una noche de ‘Chant’ y poesía, con Todd Clouser (guitarra), Adriana Camacho (contrabajo), Jorge Chávez (batería), Roberto Tercero y Juan Pantoja (saxofones), desde Jazzatlán. 26 de marzo de 2019
Hace unas semanas, asistí al concierto de la banda noruega MoE en la galería Mártires de la Conquista, en la colonia Tacubaya, de la Ciudad de México; mi objetivo era saludar a Mette Rasmussen, a quien no conocía, pero no fue tan difícil. En un momento previo a su acto, nos reconocimos. Ella también sabía que ahí estaría. Intercambiamos un par de ideas y salió la propuesta de grabar una sesión acústica en la estación de radio en la que laboro; Guro Moe escuchó y estuvo de acuerdo. Luego nos encontramos a otros amigos de Nueva York, Devin Waldman y a Eline Marx, que visitaban México, y el resto es la historia poco convencional de un encuentro lleno de sincronías inverosímiles y divertidas que incluyen el amor, una taquería, una fiesta en casa de la banda Descartes a Kant y una cena con la nieta del que fuera cardiólogo de María Sabina, que merecen otra publicación.
Nos citamos para grabar en una casa de la colonia Roma, en la calle de Manzanillo, y resulta que Anne Waldman, tía de Devin, se hospedaba muy cerca y quería escuchar la sesión, así que terminó participando de este vaivén de improvisación.
MoE y Mette Rasmussen, sin conocerla, embonaron desde el primer momento y poco a poco se creó una pieza de una sola toma, en la que conviven textos de Anne Waldman, textos de la propia Guro Moe, cantos de ambas, y elementos como la percusión, guitarra, juguetes y dos saxofones.
Dado lo inusitado e increíble del resultado, transmitido en Balalaika en pasadas emisiones, me permito reproducir la entrevista que grabamos aquella tarde de diciembre de 2018.
Transcripción estenográfica
Gracias, Anne, Guro, Håvard, Joakim, Mette y Devin. Tengo algunas preguntas básicas para ustedes y después podemos hablar de la sesión de improvisación que realizaron para este programa.
Pienso primero en ti, Mette, y en Guro también, porque ya has estado en México antes; ¿por qué están aquí, cómo comenzó la conexión con México y cuándo fue la primera vez que visitaste la ciudad, Guro?
Guro: Vine primero porque fui invitada por el festival El Nicho, la primera vez fue en 2013. De ahí se crearon conexiones con más personas, como Martín Escalante y Amat Escalante. De ahí vino; es nuestro cuarto tour ahora. Hemos estado girando en ciudades alrededor de entre unas 5 y 6 horas de la ciudad de México (Guadalajara, Querétaro), y en Chiapas.
La relación con Amat Escalante viene porque tú hiciste el soundtrack para su último filme…
Guro: Mi primer tour fue en 2013, el siguiente en 2015y eso fue antes de recibir un “octobass”, que es un contrabajo de ocho metros; lo adquirí después de ese tour, y ya aquí en México yo y Amat hablamos de cómo el sonido del contrabajo podía ser el sonido de una criatura en la película, es como comenzó la colaboración, como el monstruo-bajo. El contrabajo es el monstruo en esa película…
Mette y Moe, ¿cómo decidieron comenzar un tour en la Ciudad de México ahora? ¿Es la primera vez que tocan juntas?
Guro: ¡Mette quería venir a México!
[Risas] … E hicimos un primer concierto juntas en Noruega en mayo de este año, con una energía muy agradable y natural, fluida. Se siente genial este primer tour en México. Creo que exploramos esta loca conexión en vivo, aquí en México. Es como lo siento.
Joakim:Empezó en Trondheim y comenzamos a practicar mucho para una grabación e hicimos un concierto. Seguimos el concierto, la grabación, el tour y practicando juntos…
¿Cuál es la inspiración que toman del jazz noruego, el metal y noise?, ¿pueden decirme algo? Por ejemplo, Guro, sé que fuiste una estudiante de jazz con Ingebrigt Håker Flaten, que está más relacionado al jazz y free jazz…
Guro:Sí, primero free jazz, luego noise y luego MoE…
Cuando escuché a la banda la noté más en el lado del punk y metal…
Guro: … Sí, la transformación de la energía y la intensidad y su espontaneidad en la música de improvisación trata de mantener esto (de forma más difícil, quizá), y además están las letras, como una parte importante de la presencia de lo que hacemos… las canciones están de cierta forma compuestas por ellas mismas; no decimos “hagamos esto o lo otro”, es un acercamiento muy abierto, que no busco, viene del background como improvisadores, en un modo natural.
Håvard:Algunos de la banda estamos atraídos por músicos que entienden la improvisación, como John Hegre, Lasse Marhaug, Keiji Haino, Okkyoung Lee, desde luego Mette, y muchos más, es una lista larga.
… Y Mette, estás todo el tiempo en tour, háblame de eso, ¿cómo es la vida del tour para ti? Parece que nunca paras…
Mette: Estar de tour es como un hogar, de cierta manera, cuidando tu cabeza… Tienes que mantener el flujo y trabajar mucho; es intenso porque haces todo al mismo tiempo: programar, grabar, lanzar… nunca paramos, me gusta que en el camino puedes conocer a personas increíbles, gente muy abierta y gentil y confiada, que te ayuda a sobrevivir, supongo, pero el tema del tour es encontrar la corriente; es como respirar…
¿Has aprendido algo de ello para tu improvisación, te ha dado herramientas o has encontrado un paralelismo entre la improvisación y el tour?
Mette: ¿Te refieres en cómo vivir la vida? Creo que todo se refleja, no es sólo la música la que te releja, es también cómo tú te reflejas en la música; es algo en relación, pero no necesariamente… Y creo que todo surge de un punto, que es el movimiento, y luego un movimiento va rápido y otro es lento… La vida que se vive es un reflejo de todo, y quizá eso es una habilidad y tienes que estar en el escenario y tocar para muchas personas y quizá tu personalidad es diferente, pero te mantienes porque eso es lo que eres: no dejas quién eres en casa y luego entras al escenario; eres siempre tú y luego las experiencias viajan contigo, siempre.
La improvisación que escuchamos hoy con Devin y Anne Waldman creo que es parte de la vida: ustedes no se conocían antes, y ésta es la primera vez que se conocen…
Anne Waldman:Sí, es emocionante cómo se conectan los momentos y es un sistema, y tú eres uno de los puntos que nos conectan y has puesto personas juntas ahora. Ha sido una increíble sorpresa que esto pase, me siento agradecida. Como poeta viajo a diferentes escenarios y foros y conozco personas: poetas, colaboradores, músicos, con Devin y Ambrose tenemos una banda familiar, a la que siempre incorporamos más instrumentos y voces…
En esta grabación escuchamos a ti, Anne, y a Guro cantando…
Anne: Sí, ella comenzó usando lijas…
Guro: Sí, mencionaste algo sobre “algo” que se refleja…
Vi que leías partes de tu nuevo libro (Trickster Feminism), Anne…
Anne:Saltaba algunas líneas, tratando de encontrar…
Y tú, Guro, tienes un cuaderno…
Guro:Sí, es un texto que hice antes de grabar en septiembre; es muy largo, leí notas de ahí, es una combinación de esas notas e improvisaciones.
¿Qué otros elementos escuchamos? Guitarra juguetes, percusiones y palos…
Anne: Se encuentran presentes diferentes estados de ánimo, selecciones, saltos, cada parte es más fuerte que otras, que dependen de otro sonido…
Me gusta la sección donde escuchamos muchas aves en algún punto…Y Anne, estaba pensando en la conexión que tienes con la generación y escuela beat. Y quizá es obvio, pero ellos guardan una conexión directa con la música…
Anne: La actitud es muy importante cuando se habla de la generación beat, el “toque” (la sensación), esa felicidad en un sentido. Y definitivamente, la vocalización con el ritmo es importante. Debo decir que siento una conexión con México, Kerouac escribió cuatro libros en México; Borroughs, Ginsberg y otros. Ahora siempre ha sido interesante para mí el tema de la frontera, la búsqueda y el cruce, y es una de las razones por las que quise venir esta vez y trabajar contigo y otros en Tlahui**… es una oportunidad de movernos y fluir más.
¿Cómo comenzaste a usar tu voz? En la tradición poética en México la performance no es muy usual, la imagen del escritor es más la del escritorio, el papel y la pluma; mi pregunta es ¿por qué decidiste interesarte en el movimiento de la música?
Anne: Creo que es orgánico, claro escribo libros… Me siento “guiada”, el texto me habla y me dice a dónde ir, creo que es un instrumento la música… Uso ambos. Es una discusión ridícula qué fue primero, si lo oral o lo escrito en la poesía; la poesía comenzó con las aves, la propagación de la canción. No es un dilema: como posibilidad, es un tesoro.
Para las generaciones más jóvenes: ¿por qué debemos creer todavía en la poesía en tiempos como los actuales?
Anne: En general, la práctica inherentemente musical está relacionada a bellas ideas, danzas e imaginación… y también tiene lógica y un mensaje. No se abandona totalmente el poder semántico de las palabras; siempre hay un maravilloso misterio y está presente el eco de las raíces de esas palabras, la melodía de diferentes lenguajes; es increíble para mí como puedes estar con personas que hablan diferentes lenguas y que se escapen los significados, intelectualmente hablando. El punto central aquí es ayudar a despertar al mundo, que nos necesita más que nunca, y la poesía es una práctica increíble, un camino espiritual para la comunidad. Lo que me gusta de los músicos es que no necesitas argumentar en todos los lenguajes, eres libre… Pienso en el gamelan, su movimiento es más como una cosmología, un estar en el mundo, es lo que hacen los sonidos en caminos hermosos. [En la poesía] Los ritmos se intersectan y en el lado artístico es realmente poderoso y una excelente manera de desear que ya no haya más sufrimiento ni guerra…
Guro: Porque desde luego no hay fronteras… no hay jerarquías, y la importancia de la poesía musical, o de todas sus formas, es que puede recordarnos que somos humanos y cuál es esa valía.
Anne: Las cosas están en peligro, por ejemplo las lenguas (y otras cosas también) están desapareciendo, por lo que la poesía debe ser una especie de Archivo mágico que sostenga y guarde la música que amas, los primeros sonidos; es importante continuar preservando esto para el futuro, lo que sea que sea, para otros seres sintientes que no saben cómo se ve ni cómo se produjeron esas grabaciones.
… Quizá están pensando ahora en un álbum juntos, ¿Fast Speaking Music Band y MoE y Mette?
Anne: Pueden ir a grabar a nuestro estudio en NY, con Ambrose…
Guro: ¡Vamos a NY!
Ambrose Bye: No, vamos a Noruega.
Todos:¡Sí!
Este es un resumen de la conversación que sostuve con Guro Moe, bajista y vocalista, Joakim Heibo, baterista, Håvard Skaset, guitarrista, los saxofonistas Mette Rasmussen, Devin Brahja Waldman y la poeta Anne Waldman.
MoE visitá México en marzo para grabar un nuevo álbum, y en octubre-noviembre vendrán al festival Arcadia; actualmente, están componiendo música para el filme silente El puño de hierro, una película mexicana de 1917, y luego irán a Guadalajara… Así que espérenlos en 2019. Mette irá a Japón en abril, y Anne y Devin grabarán este enero un nuevo disco con el sello Fast Speaking Music, en Nueva York.
En 2015, el músico y poeta Todd Clouser (Minnesota, 1981), guitarrista de la banda inclasificable de rock-jazz-música creativa, A Love Electric, publicó Chant¸ un disco que nació del poder de la música para crear comunidad y desafiar una estética a partir de la coexistencia de sistemas musicales –oral e instrumental– de choque y transición.
Hace años, Todd Clouser llegó a Baja California Sur para después establecerse en la Ciudad de México y convertirse en un destacado conector musical en la urbe, por impulsar colaboraciones, publicaciones y ser cabeza de Ropeadope Sur, la división del sello norteamericano Ropeadope, en México y otros países de habla en español.
En vivo, Chant ha ido configurándose como un proyecto trans disciplinario al que ahora se une la poesía, bajo el precepto del arte como principal agente de cambio, sin fronteras, ni categorías.
En un inicio, Chant se inspiró en las canciones de prisión, cantos de los campos de algodón y la música ritual, así como las tradiciones del Delta Blues y el canto cardenche, aquí en México; tradiciones de labor y saudade que nos recuerdan que cantar es nuestro bastón en el recorrido de la vida.
Para su iniciador, el concepto de Chant es unir gente de distintos backgrounds, culturas y experiencias, con la música, y crear una obra nueva; la mayoría de las veces con una composición que surge en el momento, usando el lenguaje de señas como medio de conducción.
Sobre por qué impulsarlo, Clouser cuenta que se encuentracansado del “espectáculo” de la música y del concierto tradicional/comercial, así que con Chant queremos regresar un poco a la raíz de la música –necesidad para expresar, que creo que es universal–, sin tomar mucho en cuenta la experiencia o estudios de música formal. Es, en lo absoluto, música inclusiva.
La necesidad por comunicarse y estrechar afectos que mantengan la fuerza y resistencias frente a la homogenización, capaces de crear imaginarios sin categorización, de entablar diálogos y formular amor también es un objetivo de la poesía. Nada más honesto y universal que la transmisión de la voz humana para provocar emociones, y para Clouser, la música es poesía y viceversa. Son mundos no muy distintos para mí. Son tradiciones que a veces van cerrándose en sus propios mundos sociales y académicos, pero al final son maneras de crear y expresar tradiciones humanas, de enfrentar a uno mismo y a la injusticia, de celebrar. La colaboración entre poetas y músicos siempre es emocionante y ofrece muchas posibilidades, si estamos escuchándonos.
Por esta razón, los actos de Chant han comenzado a incluir a poetas residentes en México, en foros como el Centro Cultural Universitario Tlatelolco y el Centro Cultural de España, que el próximo 12 de diciembre, a las 21 horas, abrirá su terraza para recibir otra edición de Chant, esta vez conformada por dos sets, bajo una secuencia de poesía-música. Al primero de ellos se unirá la poeta de tradición beat Anne Waldman (New Jersey, 1945), acompañada por poetas jóvenes como María Cristina Hall, Dylan Brennan, David Rojas Azules, Julia Piastro y más, además de una poderosa alineación musical que, durante el segundo set, cobrará personalidad a través de la improvisación e influencias del jazz y rock, con las aportaciones de los músicos Jorge Chávez (Descartes a Kant) en la batería, Adriana Camacho en el contrabajo, Exael Salcedo Garcés (URSS bajo el árbol) y Santiago Lara en las guitarras, así como Clouser en la dirección.
El set de poetas fue seleccionado tras una colaboración con Waldman y su Fast Speaking Band dentro del Tlahui Project, un encuentro en el Centro de Capacitación Musical y Desarrollo de la Cultura Mixe (CECAM), que un equipo de músicos y poetas hemos producido para explorar el camino siempre sorpresivo de la relación entre la música y la poesía, con el propósito de generar poéticas de liberación, empatía y fortalecimiento de ciudadanías.
Con Chant se abre una oportunidad única para compartir con Waldman –está en México para presentar Trickster Feminism (Penguin Poets, 2018)– y el lenguaje, entendiendo la improvisación como un manifiesto constante sobre la contradicción, para encontrar, quizá, algunas de las preguntas esenciales –el arte formula cuestionamientos– sobre nuestra existencia-interpretación.
La entrada es libre y el público general puede unirse a esta performance coral, si parte de un único requerimiento: escuchar. Lo más importante es que todos entiendan que somos parte de un equipo; nuestro objetivo es crear música única, viva y nueva, juntos, agrega Clouser, a quien también podremos escuchar en algunas intervenciones de Spoken Word.
Todd Clouser está trabajando ahora mismo en un segundo disco de Chant, más enfocado a la unión entre poetas y músicos improvisadores. Lo esperamos para el 2019.
Colofón
Además del 12 de diciembre en el CCE, Waldman se presentará el 11 de diciembre en la Casa del poeta, a las 19 horas, junto al saxofonista Devin Brahja Waldman, y el 13 en la Casa Universitaria del Libro (CASUL), junto a su Fast Speaking Music Band, a las 17 horas, ocasiones para conocer su trabajo junto al sello discográfico del que es cofundadora: Fast Speaking Music, junto al productor y pianista Ambrose Bye, y que toma nombre de uno de sus poemas más afamados: “Fast Speaking Woman” (1975), motivado por los cantos chamánicos de María Sabina.
Anne Waldman & Fast Speaking Music from Natalia Gaia on Vimeo.
Dance Poems 